Commenti alla prefazione, intitolata «Il design e la progettazione», di Giovanni Anceschi, al volume di Carlo Branzaglia, Fare progetti. Una ipotesi di metodologia per tutti, Fausto Lupetti Editore, 2018.

Configurare e rinconfigurare

Anceschi ci parla del design in modo metariflessivo. Non parla di teorie e processi, non parla di pratica soltanto. Parla contemporaneamente di fare design, progettare partecipativamente, spiegare e insegnare il design ridefinendolo al contempo.

C’è un’affermazione di Anceschi, composta di due parti, che ha attirato subito la mia attenzione. La prima parte recita: «Il design è una procedura compiuta […]». Mi sembra che Anceschi voglia sottolineare qui che il design porta a un risultato, a un artefatto, a una configurazione concreta. Non si tratta solo di un esercizio teorico, bensì di una pratica che si conclude in qualcosa di fatto. Ma non basta.

Nella seconda parte dell’affermazione Anceschi precisa: «ma al tempo stesso sempre propedeutica alla costruzione della propria stessa struttura disciplinare». In questo modo il maestro ci spiega che ogni progetto non è solo un risultato «per l’esterno», per un utente un cliente un mercato in generale, ma contribuisce anche a definire cos’è il design come disciplina. Cioè: il design non ha una struttura data una volta per tutte, ma si costruisce continuamente mentre i designer progettano.

Subito dopo Anceschi continua dicendo: «Incarna un momento pedagogico che parte da saperi saputi ma che li riconfigura durante la sua stessa azione». Ecco che qui entra in gioco in aggiunta la dimensione formativa. Ogni atto di design è un «momento pedagogico». Prende i saperi esistenti, le conoscenze date stabilite codificate, e li trasforma in conoscenze vive, in trasformazione, durante il processo progettuale. In altre parole: progettare è sempre anche imparare e reimpostare le conoscenze.

Questa riflessione di Anceschi descrive in poche parole ciò che cerco di fare quando progetto un syllabus, una lezione, un’esercitazione, un compito autentico, e allo stesso tempo questa affermazione tempo spiega anche come questa continua riprogettazione e ridefinizione si applichi anche all’esecuzione della lezione stessa.

Durante la lezione oltre ad essere docenti, siamo anche teatranti che tastando il polso del pubblico cercano di affascinarlo, informarlo, intrattenerlo, educarlo. E poi siamo anche jazzisti che si adattano a una molteplicità di suoni della classe che si fa orchestra. Direttori ma anche musicisti in prima linea. E poi ancora siamo desinger nel pieno svolgimento del loro lavoro pratico, come dei capi cantiere col caschetto in testa durante un restauro di una vecchia e bellissima villa che si va man mano rinnovando. Ci adattiamo di continuo e adattiamo il nostro modo di parlare. Adattiamo anche la lezione che stiamo tenendo, il ritmo, il tono, le pause. Adattiamo anche i contenuti, mettiamo e togliamo qualcosa come abili chef che preparano piatti à la carte per una platea tutta diversa di venticinque persone.

Quello che descrive Anceschi è proprio quello che io considero il mio personale modo di insegnare. Nel mondo anglosassone lo chiamano Instructional Design, noi lo chiamiamo progettazione didattica. Chiamiamola come vogliamo questa pratica, questo lavoro, sta di fatto che è design, e infatti si tratta di proprio processo di «configurazione» e di riconfigurazione continuamente.

Design: scrittura e messa in scena

In me architettura, design e progettazione si intrecciano con la didattica: il cortocircuito più fecondo nasce quando insegnare diventa anche documentare e scrivere, come ricordava Zavalloni, perché il vero maestro è colui che sa progettare, educare e al tempo stesso restituire con le parole ciò che accade in aula.

Proviamo allora a instaurare un parallelo con la letteratura italiana, per cercare di capire meglio il concetto affrontano fino ad ora. Pensate per un attimo ad un grande scrittore come Pirandello. Lungi da me paragonarmi alla genitalità del premio nobel per la letteratura nel 1934. Provate a pensare al processo di stesura e poi di strutturazione di una delle sue opere. Immaginatelo alla scrivania, gli è appena venuta l’idea per un nuovo soggetto. La prima settimana mette insieme gli appunti scritti negli ultimi mesi. Poi la seconda settimana abbozza una novella. Poi nell’arco di qualche settimana la rifinisce e la pubblica. Nasce forse così «La patente», pubblicata per la prima volta 1911.

Ora immaginatelo di nuovo alla scrivania qualche un paio di anni più tardi mentre riprende in mano quello scritto e ci aggiunge riflessioni e altre idee che gli sono venute in mente nel frattempo. Passano altri due anni e quel soggetto nella sua testa è maturato, il personaggio è diventato ancora più complesso, ricco di sfaccettatura, ora ha una voce propria e vuole dire qualcosa di più. Così Luigi si rimette alla scrivania, scioglie lo spago che lega il faldone, tira fuori la novella con tutti gli appunti, le note, le idee, qualche pezzo di carta su cui ha scarabocchiato qualche dettaglio nel corso dei quattro anni dalla prima pubblicazione e si rimette a scrivere. Stavolta però il personaggio se lo vede come parato davanti a sé, come davanti alla scrivania del giudice D’Andrea, mentre perentoriamente dice con voce grave: «La patente!». E da lì riprende il filo per dar vita ad un atto unico.

La stessa cosa è accaduta per Pirandello con le novelle La giara, Pensaci, Giacomino!, La morte addosso, divenute pièce teatrali, ma anche con romanzo «Il fu Mattia Pascal» i cui spunti sono confluiti vent’anni dopo in drammi sull’identità come Come tu mi vuoi e Enrico IV.

Il processo di trasformazione di un plico di appunti in una novella e poi in un pezzo teatrale ricalca molto da vicino le necessità che ogni docente, progettista didattico, ha tra le mani quando da una prima idea di lezione, dopo averla davvero svolta, si ritrova a trascriverne i fatti salienti, le parole degli studenti, e poi di seguito a riprogettarla per un’altra occasione e reinterpretarla nella chiave giusta. Ogni volta che si progetta, si configura, poi si documenta e si riconfigura, si fa design. Ecco dove Anceschi è illuminante.

Rileggiamolo: «Il design è una procedura compiuta, ma al tempo stesso sempre propedeutica alla costruzione della propria stessa struttura disciplinare, Incarna un momento pedagogico che parte da saperi saputi ma che li riconfigura durante la sua stessa azione».

Questa frase rappresenta la segnatura pedagogica del fare progettazione, del pensare in termini progettuali quando si insegna, dell’insegnare materie tecniche come il design, l’architettura, la grafica, la modellistica, la confezione di un abito, la cucina, l’allestimento di un punto vendita o di una mostra.

L’intreccio delle lezioni

A me piace ad esempio palesare durante le lezioni, anche il processo di progettazione che ha portato alla loro realizzazione, alla loro configurazione così come le vedono i ragazzi riflesse nelle slide e nelle esercitazioni. Questa modalità, questa tecnica e pratica, è come far camminare i ragazzi all’interno di una meravigliosa cattedrale della quale con degli occhiali a raggi X essi sono in grado anche di vedere le strutture interne ai muri, coglierne i segreti di costruzione da dentro e da fuori.

Potremmo affermare in conclusione, che insegnare design significa mostrare il progetto e insieme il progettare. Ogni attività didattica nel design non si limita a proporre esercizi o contenuti compiuti, ma rende visibile anche il processo che li ha generati. In questo modo lo studente non apprende soltanto una tecnica o un risultato, ma comprende come i saperi vengano continuamente rielaborati, riconfigurati e trasformati in nuove forme. La lezione diventa così un doppio spazio di apprendimento: da un lato l’esercizio pratico, dall’altro l’esperienza diretta di come il design costruisce se stesso mentre si insegna e si pratica.

Eidomatica

Eidomatica io non l’avevo mai sentito. Giovanni Anceschi mi rivela questo termine, senza alcun riguardo per la mia ignoranza, d’improvviso, come la cosa più ovvia del mondo. E tutto d’un tratto, come mi aveva anticipato il mio maestro amico quando m’aveva invitato a leggere questo libro, la parola mi apre un mondo nuovo. Una parola nuova ogni giorno ha la capacità di aprirci davvero un mondo fino ad allora sconosciuto.

Eidomatica. Non è solo iconografia, che riguarda i contenuti, né solo semiotica visiva, che riguarda i segni, ma un approccio che tiene insieme forma, configurazione e processo percettivo. In questo senso, parlare di eidomatica significa rivendicare che il design ha bisogno di un sapere autonomo sulle immagini, un sapere non riducibile né alla storia dell’arte né alla semiotica pura, ma che si costruisce nel vivo della progettazione.

Ancora una volta, e con una sola parola, Anceschi getta le basi di una colonna portante della segnatura pedagogica del design.

Mi riserbo di approfondire ancora, in futuro, la figura di Giovanni Anceschi. La prefazione mi ha già messo l’acquolina in bocca.

Premessa

Nell’ultimo mese ho annotato due luoghi, uno a Treviso e uno a Bologna, che potrebbero trasformarsi in destinazione per un viaggio d’istruzione.
Un viaggio che si potrebbe inserire all’interno delle ore curricolari di un insegnamento, o conteggiare come studio individuale o autoapprendimento, oppure ancora essere presentato come proposta condivisa tra più corsi in un sabato speciale.
L’invito è aperto agli insegnanti delle scuole superiori, ai docenti e agli studenti di percorsi ITS e accademici: due mete che parlano a chi studia graphic design e fashion design, due mondi diversi ma connessi.

La collezione Salce di Treviso

Il primo luogo è la Collezione Salce, che porta il nome del suo fondatore e donatore: Ferdinando “Nando” Salce (Treviso, 1877-1962).
Collezionista appassionato di manifesti illustrati, Salce ebbe la fortuna di potersi dedicare – grazie a una condizione economica agiata – quasi esclusivamente a questa passione.

Con un testamento datato 26 aprile 1962, lasciò allo Stato italiano l’intera collezione con un’intenzione precisa:
«perché serva in scuole e accademie […] a studio e conoscenza di studenti, praticanti e amatori delle arti grafiche».

Il patrimonio ammonta a circa 25.000 manifesti. Non potendo esporli tutti, il museo dispone di due sedi a Treviso, dove vengono organizzate mostre tematiche a rotazione.
Un’occasione unica per gli studenti di grafica: non solo per vedere e studiare i manifesti come oggetti storici, ma per comprenderne l’evoluzione tecnica, estetica e comunicativa.

L’archivio del «Massimo Osti Studio» di Bologna

Il secondo viaggio ci porta alla scoperta del mondo della moda. A Bologna si trova il Massimo Osti Studio, archivio e collezione curati dal figlio Lorenzo Osti.

Massimo Osti (1944–2005) è stato imprenditore e stilista, fondatore di due marchi diventati iconici: C.P. Company e Stone Island. Due realtà che hanno segnato la storia dello sportswear, termine più preciso di “abbigliamento sportivo” perché indica un intero segmento culturale e stilistico.

Alla sua morte, lo studio e i magazzini hanno restituito un immenso patrimonio: capi, accessori, campioni di tessuto, prototipi, lettere, immagini e documenti di lavoro.
Parte di questa collezione è oggi esposta in Cina, al China Design Museum, ospitato all’interno campus della China Academy of Art nel distretto di Xiangshan. Un’altra parte è custodita a Bologna, 2.000 pezzi circa, e visitabile nello studio, dove prende forma la storia di un processo creativo che ha influenzato generazioni di designer.

Per gli studenti di fashion design, l’archivio Osti è una miniera didattica: non solo si possono ammirare capi diventati celebri, ma è possibile anche ricostruire, in un certo qual modo, il metodo progettuale dietro ogni dettaglio, comprendere le contaminazioni con le sottoculture urbane e militari e osservare come il made in Italy abbia dialogato con il mondo, tanto da influenzare l’abbigliamento degli hooligans negli stadi inglesi insieme ad altre scene giovanili.

Un esempio lampante di tutto ciò è il volume Inside the Westminster Menswear Archive di Andrew Groves, che documenta come i capi di Osti siano entrati in altre collezioni e abbiano assunto un valore transculturale, capace di travalicare confini geografici e stilistici.

Nella prefazione del volume compare un contributo proprio di Lorenzo Osti, che aiuta a capire la portata dell’archivio del Massimo Osti Studio. Eccolo tradotto in italiano.

Lorenzo Osti, Presidente C.P. Company
Mio padre e il suo archivio: come Massimo Osti ha contribuito a cambiare il fashion design

Mio padre iniziò il suo archivio il giorno stesso in cui cominciò a lavorare nella moda.
Per lui non era soltanto una collezione di abiti: era il suo modo di lavorare, il suo metodo. Era tutto.

Ricordo che in un’intervista disse che tutte le sue collezioni cominciavano «con una passeggiata nell’archivio».
Il suo approccio era molto diverso da ciò che accadeva intorno a lui, in quel momento, nell’industria della moda. È importante ricordare che mio padre non proveniva dal mondo della moda, non si considerava uno stilista, e per questo il suo metodo di lavoro era radicalmente diverso.

Se il tuo approccio al design deriva soltanto dalla creatività, un archivio può essere utile, ma non è indispensabile.
Un creativo realizza qualcosa di reale – un oggetto – a partire da pensieri, idee, ispirazioni: è un approccio dall’alto verso il basso (top-down).
L’archivio, in questo caso, serve per convalidare o rifinire quell’idea.

Mio padre non ragionava così.
Il suo approccio era l’opposto: partiva dal basso e risaliva verso l’alto. Aveva davanti qualcosa di concreto e, a partire da lì, creava qualcosa di nuovo, assemblando, modificando e combinando per generare ciò che ancora non esisteva.
Era attratto dalla funzionalità, dai dettagli che si muovono, dal cambiare il contesto in cui parti già esistenti funzionavano.
Per questo Massimo non aveva idea di come sarebbe stata una collezione, finché non vedeva qualcosa di fisico, qualcosa che potesse essere migliorato, trasformato o ribaltato di 180 gradi.

Se lavori in questo modo, devi partire da elementi già esistenti, classificarli e studiarli.
E qui entra in gioco l’archivio.
Non serviva solo a tenere traccia di ciò che aveva fatto fino a quel momento, non era un semplice contenitore di ricordi o una biblioteca di riferimento.
No, era la fondazione stessa di tutti i marchi che aveva creato e amato, in primo luogo C.P. Company. Era legato in maniera totale al suo modo di lavorare, uno strumento essenziale fin dal primo giorno.

Non importava che ci fossero solo tre pezzi: quei tre pezzi sarebbero stati utili, perché da tre potevano diventare trenta, trecento, tremila, e un giorno forse perfino trentamila.

Per lui, i vestiti dovevano essere reali, utili, pratici, radicati in una realtà fisica, dotati di strumenti per quella realtà.
Ritrovo molte delle idee di mio padre oggi nel Westminster Menswear Archive e, quando parlo con Andrew [Groves], riconosco nelle sue parole riflessioni che avevo già sentito.

Quando incontrai Andrew per la prima volta, nel 2017, mi disse che voleva avviare l’archivio. Fu la prima volta che sentii parlare di una scuola di moda che adottava quel tipo di approccio nella didattica, offrendo agli studenti la possibilità di lavorare nello stesso modo in cui aveva lavorato mio padre.
È un cambiamento radicale nel modo di formare nuovi designer e sviluppare un percorso alternativo di progettazione.

Sono profondamente onorato che Andrew si sia ispirato all’archivio di mio padre, e grato che offra a una nuova generazione di designer questa opportunità senza precedenti.

Ho raccolto on-line una playlist di YouTube con quattro interessanti video che mostrano lo studio: Playlist: Massimo Osti Studio.

Perché proporre queste mete

Sia la collezione Salce che il Massimo Osti Studio incarnano l’idea di un patrimonio vivo. Non si tratta solo di guardare a un passato da ammirare, ma di studiare con occhi nuovi ciò che è stato creato, progettato e comunicato.

Per chi studia grafica e moda, questi due luoghi sono laboratori a cielo aperto. Lì si può imparare a osservare i dettagli, a ricostruire processi, a capire come il design sia sempre intrecciato con la società, le passioni, le culture, la storia, gli usi ecc.

Un viaggio d’istruzione qui non è inteso come una semplice gita. È un’esperienza di ricerca, di scoperta, di dialogo con chi ci ha preceduto e con chi continua a coltivare, custodire e rilanciare questi patrimoni.

L’importanza degli archivi nel mondo della moda: dal tessuto ai costumi del cinema

Concludo fornendo al lettore due approfondimenti volti a sottolineare l’importanza degli archivi nel mondo della moda e, credo, nel mondo del design intero.

Il progetto «Behind The Roles» di Clerici Tessuto

Il primo approfondimento lo si può condurre su LinkedIn all’interno del profilo dell’azienda Clerici Tessuto & C. S.p.a., una delle principali aziende tessili al mondo per il settore del lusso. Con oltre un secolo di storia, è oggi un punto di riferimento per i grandi marchi internazionali, guidando l’intera filiera con qualità, affidabilità e competenze integrate.

Nel 2024 l’azienda ha pubblicato a puntate una serie di video e post dal titolo «Behind the Roles», seguendo una logica di pubblicazione che coincideva con i tempi della produzione. I video raccontano i profili professionali dei collaboratori di questa grande azienda tessile italiana. Tra questi uno riguarda il lavoro dell’archive supervisor. In questo video la signora Morena ci porta alla scoperta dell’immenso archivio Clerici, spiegandoci che è alla base della creazione di ogni nuova collezione, e che è sempre in espansione grazie a nuove acquisizioni.

Siamo lieti di svelare il nostro ultimo progetto, “Behind The Roles”, una serie di video che mostrano la vasta gamma di profili professionali all’interno della nostra azienda tessile. Ogni episodio presenta uno dei membri del nostro team dedicato, offrendo uno sguardo ravvicinato al loro ruolo e alle loro responsabilità. Dalla progettazione alla produzione, dal marketing alla logistica, “Behind The Roles” offre uno sguardo esclusivo dietro le quinte del funzionamento interno della nostra azienda, presentato dai membri del team che ricoprono quei ruoli chiave. Il progetto mira a ispirare la prossima generazione mostrando le numerose opportunità di carriera disponibili nel dinamico mondo del tessile. Preparatevi a incontrare i volti dietro il tessuto!

Ho raccolto tutti i video pubblicati in un’apposita pagina web: Clerici Tessuto «Behind the Roles»

Il Costume Design di Ruth Carter

Il lavoro della costumista Ruth Carte, come raccontato nell’episodio numero tre della seconda stagione di Abstract: The Art of Design, inizia sempre con una attenta lettura della sceneggiatura del film. Matita ed evidenziatori sono gli strumenti indispensabili al lavoro della Carter. L’archivio poi è il luogo in cui tutto si concretizza, prende vita, e in cui gli attori possono indossare i panni dei loro personaggi.

Il documentario è disponibile sia su Netflix sia su Dailymotion gratuitamente. Su canale YouTube degli Oscar inoltre è possibile visionare il documentario Ruth Carter’s Creative Process | Oscar-Winning Costume Designer, attraverso il quale si può scoprire l’incredibile lavoro della costumista Ruth Carter, vincitrice di un Premio Oscar, mentre accompagna lo spettatore nel suo processo creativo e nelle ispirazioni che hanno dato vita a opere straordinarie come Black Panther e School Daze.

Quello di Ruth Carter è lavoro, è emozione trasposta in abiti e mi ricorda da vicino Diana Vreeland, l’imperatrice della moda.

Conclusione

Un archivio, una collezione, un libro: tutti possono farci da maestri.

La Saturation del modello HSV, nel senso tecnico-computazionale, è una dimensione. Essa è la distanza tra il colore attuale e il centro dell’asse dei grigi (cioè il punto in cui tutti i canali RGB sono uguali).

Si tratta una misura assoluta e geometrica, calcolata così:

• Se S = 0 allora si è su un grigio neutro (nessuna tinta visibile)

• Se S = 1 allora il colore è completamente “puro” per quel valore di Value

Il modello venne descritto nel 1978 dal suo inventore, Alvy Ray Smith, che lo aveva ideato e sperimentato nei software di pittura su frame buffer, ovvero programmi di grafica che scrivevano direttamente nella memoria video. Smith sviluppò una trasformazione geometrica del cubo RGB in un modello a cono esagonale.

Come possiamo chiamarla in italiano

Saturazione. È la traduzione più diffusa e coerente con la «letteratura RGB» e con l’utilizzo storico del termine in ambito software. Il termine è quello più utilizzato all’interno dei pannelli di selezione del colore e dei dispositivi di scorrimento degli odierni programmi di grafica, come Inkscape, Affinity Designer e quelli della suite Adobe.

Bisogna però fare subito una precisazione. All’interno dei programmi di fotoritocco si utilizza la nomenclatura mutuata dai modelli HSV (HSB) e HSL del 1978 per indicare le regolazioni delle immagini anziché di un singolo colore. In proposito si consulti Olivotto, 2023.

Si badi bene che nell’ambito scientifico della colorimetria «per i colori isolati questa presenza di tinta viene chiamata pienezza. Per un colore non isolato, e quindi in relazione a una scala, si parla di croma […]». Saturazione «invece dovrebbe indicare la pienezza in relazione alla luminosità. Trattandosi di un valore vincolato alla quantità di luce, la saturazione riguarderebbe in breve solo la luce colorata e non le superfici riflettenti come un pezzo di carta.» (Falcinelli, 2017).

Se la croma e la pienezza dunque sono attributi percettivi del colore nella realtà, misurabili e visibili, la saturation del modello HSV è una dimensione, calcolabile all’interno di un modello, collegata a RGB, non visibile in un oggetto d’uso quotidiano come attributo cromatico.

Josef Albers soleva dire che bisogna distinguere il “dato di fatto” dal “fatto reale” (Interaction of color, 1963).

Si potrebbe proporre di chiamarla intensità cromatica? Forse questo temrine potrebbe chiarire l’idea, ma si tratta solo di un inutile giro di parole, meno immediato.

Ecco come spiega la saturation l’inventore del modello HSV/HSL:

Saturation measures the departure of a hue from achromatic, ie, from white or gray. […]
The hexcone model is an attempt to transform the RGB colorcube dimensions into a set of dimensions modeling the artist’s method of mixing. These are called hue, saturation, and value (HSV). Varying H corresponds to traversing the color circle. Decreasing S (desaturation) corresponds to increasing whiteness, and decreasing V (devaluation) corresponds to increasing blackness.
— Alvy Ray Smith

Dalle sue intuizioni e dai suoi quattro anni di sperimentazione Alvy Smith sviluppò il suo sistema basato su tre dimensioni:

• Hue (Tinta)

  • Angolo nel piano cromatico (0°–360°)

  • Determina che colore è (es. rosso, verde, blu…)

• Saturation (Saturazione)

  • Distanza dal centro del disco esagonale (0-1)

  • Indica la purezza cromatica, ovvero quanto il colore si discosta da un grigio neutro di pari Valore

• Value (Valore tonale)

  • Altezza verticale del solido HSV (0-1)

  • Indica la luminosità o distanza dal nero

Quindi, la scelta migliore è…

Chiamarla «saturazione» aggiungendo con una spiegazione chiara:

Nei modelli HSV, oggi chiamato anche HSB, e HSL, utili per la selezione del colore nei software di grafica digitale in alternativa ai meno intuivi regolatori RGB, il parametro “S” è la saturazione intesa come distanza di un colore dal grigio neutro di pari valore che si trova sullo stesso piano all’interno dell’«esacono».

I parametri Hue, Saturation e Value servono dunque a navigare il colore in modo intuitivo come fanno i pittori con i tubetti e le mescolanze sulla tavolozza.

Nota sull’immagine di copertina

Ci è voluto un bel po’ di tempo per trovare l’immagine corretta e azzeccata per questo articolo. L’ho cercata a lungo finché non mi sono imbattuto nel sito di un giovane esperto del colore, Tobia Montanari. All’interno del sito ho trovato una splendida illustrazione, che si può anche scaricare con un’offerta. Segnalo che questa immagine è inglobata in un articolo di cui consiglio la lettura «HSL and HSV Explained: Which Color Model Should You Use?»

Aggiornamento del 01/04/2026

Qui di seguito il lettore potrà trovare il documento di Alvy Smith «Color Gamut Transformation Pairs» pubblicato per la prima volta in «SIGGRAPH 78, Conference Proceedings, agosto 1978.

Alcuni passaggi del paper che descrive la correlazione tra l’HSV e l’RGB nel mondo del digitale, sono davvero illuminanti. Oltre al PDF del paper, qui di seguito ho inserito una mia immagine con alcune annotazioni.

Alvy Smith Color Gamut Transformation Pairs

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Introduzione

L'istruzione prepara gli studenti alla vita futura, al mondo del lavoro e all'esistenza in sé, affrontando la sfida di educare verso professioni e settori non ancora esistenti. Dobbiamo inoltre considerare come l'economia del futuro potrebbe differire da quella attuale, soprattutto alla luce della crescente enfasi sulla sostenibilità e dei conflitti che affliggono il nostro pianeta. Questo scenario, influenzato da tali cambiamenti solleva questioni fondamentali sull'essenza dell'insegnamento:

Di fronte a questi cambiamenti radicali, emergono diverse domande cruciali riguardo all'educazione:

• Cosa insegnare di rilevante agli studenti?

• Quali temi e argomenti meritano di essere esplorati insieme?

• Quali aspetti della vita quotidiana dovremmo discutere e trattare con gli studenti?

• Quali sono gli elementi della realtà attuale che vale la pena di conoscere perché indispensabili per prepararsi al futuro?

• Quali strumenti concreti vale la pena sperimentare arricchendo l'esperienza educativa, per un'autentica ricerca nel mondo?

Un tema ha riscosso notevole interesse tra gli studenti evidenziando il loro desiderio di esplorare e sperimentare in modi innovativi. Si tratta del colore, ambito trasversale che tocca numerosi settori.

Avete mai provato a progettare lezioni pratiche, dialogando e lavorando con le mani, ispirate al lavoro dei maestri del Bauhaus?

La proposta dunque è quella di esplorare il colore, elemento trasversale e stimolante, attraverso esercizi pratici e discussioni, collegandolo a percezione, cultura, arte, psicologia e industria.

Johannes Itten e la teoria del colore

Il colore, con le sue infinite sfumature e significati, ha il potere di trasformare la percezione della realtà che ci circonda, arricchendo l'esperienza umana con una profondità insospettata.

Johannes Itten, attraverso il suo influente libro "L'arte del colore", ha offerto un contributo fondamentale allo studio del colore, presentando concetti come il contrasto di colori puri, il contrasto di qualità ovvero la saturazione e i valori di luminosità . La sua ruota dei colori e il sistema dei sette contrasti forniscono strumenti preziosi per comprendere come i colori interagiscono tra loro e come possono essere utilizzati per evocare emozioni specifiche. La sua metodologia non solo ha influenzato generazioni di artisti e designer ma offre anche una base solida per sviluppare esercizi educativi che esplorano il colore.

Josef Albers e l'interazione del colore

Josef Albers, con il suo lavoro "Interazione del Colore", ha approfondito la nostra comprensione su come i colori si influenzino reciprocamente in modo dinamico. Il suo insegnamento al Bauhaus, al Black Mountain College, e poi a Yale ha rivoluzionato il modo di pensare il colore, evidenziando come la percezione di un colore possa cambiare drasticamente a seconda dei colori che lo circondano. Questa consapevolezza dell'interazione del colore apre nuove strade nell'educazione artistica, incoraggiando esperimenti e osservazioni dirette.

Esercizi pratici con carta velina e stoffa

Basandosi sui principi espressi da Itten e Albers, è possibile ideare una serie di esercizi da svolgere in classe che coinvolgano l'uso di carta velina e stoffa per esplorare l'interazione del colore. Gli studenti possono creare collage con strati sovrapposti di carta velina di diversi colori per osservare come questi cambiano a seconda della sovrapposizione. Similmente, possono lavorare con tessuti di diversi colori, sperimentando con la creazione di patchwork che mostrino l'effetto dei contrasti di colore o l'illusione di trasparenza. Questi esercizi pratici non solo rendono tangibili i concetti teorici ma stimolano anche la creatività e l'espressione personale.

Qui di seguito riporto una serie di collegamenti utili ad impostare delle attività di laboratorio.

• Richard Mehl

  • Il corso «Color for Designers: Exploration, Theory, & Application». Su Youtube è disponibile sono disponibili due piccoli estratti. Nel primo estratto Mehl spiega in dettaglio quanto i tangram possano essere istruttivi per i designer quando pensano alle relazioni tra forme e colori. Nel secondo estratto Mehl mostra il modo sorprendente in cui i colori si influenzano a vicenda.

  • Il corso «Teoria del colore: esplorazione e applicazione» di Domestika. Su Youtube un assaggio delle attività da poter svolgere. "Prima a mano, poi al computer, poi a mano, poi al computer: una sorta di circuito analogico-digitale" suggerisce Austin Kleon nel suo Ruba come un artista.

• Fritz Horstman della Josef and Anni Albers Foundation

  • Il direttore didattico Fritz Horstman conduce un breve tutorial pratico che dimostra come un colore può apparire come due, basato sull'"Interazione dei colori" di Josef Albers. L'idea mescola il lavoro del colore portato avanti in classe da Josef coi materiali utilizzati per il lavoro e l'insegnamento da sua moglie Anni.

• Josef Albers

  • Interaction of Color | Interaction of Color Complete Digital Edition. Il corso disponibile online completo al soli € 29,00 è una fonte preziosa per costruire attività di laboratorio. È possibile infatti visualizzare (122 tavole) e interagire (60 tavole) con le tavole digitalizzate dell'opera. Il che consente di giocare con le forme per comprendere più a fondo le lezioni sul colore, sperimentare e creare proprie versioni degli esercizi.

Il colore nella moda e nell'arte: riflessioni da Cromorama e Figure

Nelle sue opere "Cromorama" e "Figure", Riccardo Falcinelli esplora la psicologia del colore e il suo impiego nella moda e nell'arte, evidenziando come il colore influenzi la percezione e la comunicazione visiva. L'uso strategico dei colori può trasformare radicalmente un'opera d'arte o un capo di abbigliamento, comunicando messaggi specifici o evocando determinate atmosfere. Questi libri possono servire da fonte di ispirazione per discutere il ruolo del colore oltre l'ambito puramente estetico, invitando gli studenti a riflettere su come i colori scelti possano influenzare il significato di un'opera d'arte o l'identità di un brand di moda.

I capitoli dei due volumi sono inoltre ricchi di storie e spunti per poter realizzare dei compiti autentici che si incentrino sull'uso del colore nei campi più disparati.

Qui di seguito , per chi volesse approfondire le opere di Falcinelli, riporto gli indici in formato PDF:

Indice Dell’arte Del Colore

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Indice Di Figure

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Indice Di Cromorama

1.59MB ∙ PDF file

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Conclusione

La prima proposta che suggerirei di mettere in campo è quella di proporre un modulo di 20 ore ad una classe del 4° anno delle superiore e, insieme ai ragazzi affrontare il tema del colore nonché ideare esercizi, giochi di gruppo, esperimenti percettivi, opere personali divertendosi con carta velina e scampoli.

Una seconda proposta, conseguente alla prima a mio avviso, è quella di attivare un laboratorio estivo dedicato ai ragazzi del biennio, nel quale i ragazzi più grandi faranno da mentori.

L'esplorazione del colore attraverso le lenti di maestri come Itten e Albers, unitamente alle riflessioni contemporanee di Falcinelli, fornisce una cornice ricca e multidimensionale per l'approccio al colore. Attraverso esercizi pratici e discussioni teoriche, possiamo incoraggiare gli studenti a vedere il colore non solo come una proprietà visiva ma come un linguaggio universale che attraversa culture, epoche e discipline.

1. Il nostro primo incontro risale all'estate del 2022 a Levico Terme, dove, attratto da un vivace dibattito sulle riforme scolastiche degli anni '70, mi sono unito a lui e ad altri insegnanti in pensione nella discussione. Questa esperienza non solo ha segnato l'inizio della nostra amicizia ma mi ha anche introdotto a un gruppo affiatato di veterani dell'MCE dell'Alto Lazio, le cui storie e contributi spero di poter condividere in futuro. I membri del gruppo territoriale storico sono: Mario Cornazzano, Minerva Sandonato, Bruno Ornischi, Giuseppina Stazzi, Mariateresa Camperose, Emma Novetorri, Alberto Vallantica, Franco Pratolungo e Armida Ficocelli (1936-2023).

Introduzione: alcune domande guida

• Da dove nasce il sistema degli indici o indicatori testuali?

• Quali sono le fonti delle professoresse Capuano, Storace e Ventriglia?

Nell'autunno del 2022 sono incappato in un interessante articolo pubblicato sul sito dell'Associazione Italiana Dislessia: UDL: la Progettazione Universale per l’Apprendimento.

Nell'articolo vengono ovviamente trattati i principi dell'UDL, tema che meriterebbe un approfondimento a parte, e viene sottolineato come:

Essi prevedono che a tutti gli studenti vengano messi a disposizione:

• molteplici forme di coinvolgimento (principio I)

• molteplici mezzi di rappresentazione (principio II)

• molteplici mezzi di espressione (principio III)

L'articolo prosegue poi affermando che:

La differenziazione dei mezzi di impegno permette di incrociare gli interessi degli studenti e di motivarli all’apprendimento. In particolare ci si riferisce a tutte le procedure di elaborazione delle informazioni e alle strategie cognitive e metacognitive che culminano con l’acquisizione di un metodo di studio personale ed autonomo (Cottini, 2019, p. 27).
Una strategia impiegata nel processo di lettura/comprensione del testo è la SQ3R, un acronimo che sta per Survey, Questions, Read, Recall, Review (Calvani, 2011, pp. 90-91).

È a questo punto dell'articolo che l'autore (la redazione), dopo aver citato il metodo SQ3R, riporta un interessante schema per la comprensione del testo tratto da "Ventriglia L., Storace F. e Capuano A. (2017), DSA e strumenti compensativi, Roma, Carocci Faber, p. 93"

L'articolo prosegue poi con un passaggio cruciale:

Sono, infatti, di fondamentale importanza tutti quegli espedienti di ausilio all’acquisizione di un testo di studio come trattare preliminarmente termini non familiari e comunque specifici della disciplina (glossario), suddividere il testo in brevi paragrafi, usare titolature e parole in evidenza (indici testuali), anticipare il contenuto attraverso un breve sommario, un grafico, uno schema, una mappa, delle domande.
Grafici, schemi, mappe, tabelle, diagrammi assumono il ruolo di organizzazione visiva dei contenuti facilitando la costruzione di relazioni e legami tra i vari elementi significativi presenti nei testi. Questi organizzatori grafici utilizzati con la funzione di anticipatore permettono agli studenti di focalizzare la propria attenzione verso le idee principali e i concetti chiave, migliorando così la comprensibilità del testo.

Cosa mi irrita

Ciò che più mi irrita è che quelli che vengono chiamati espedienti di ausilio all’acquisizione di un testo di studio sono sempre e solo altri testi, che non fanno che aumentare il carico di lettura-scrittura del soggetto. Sono metodo che suggeriscono di aggiungere parole e testi, ai testi già esistenti.

Bisogna specificare che l'uso della scrittura da parte del soggetto deve mirare all'utilizzo del minor numero di parole possibile e a far sì che essere siano il più possibile significative.

Le pubblicazioni odierne che contengono degli organizzatori anticipati sono un'accozzaglia di testi, ridotti per motivi di spazio e quindi poco esplicativi, mappe concettuali per i DSA, immagini per fare da contorno, tutti i colori dell'arcobaleno su una pagina sola.

Cosa raccomandava chi ha inventato il metodo SQ3R

• Cosa raccomandava davvero chi ha inventato il metodo SQ3R?

• Per chi l'aveva inventato?

Bisogna trovare le fonti e leggerle per capire il senso di un metodo. Non sono d'accordo infatti sul significato e la spiegazione che viene data delle fasi dalle professoresse Capuano, Ventrigila e Storace. Le descrizioni non mi sembrano corrispondere all'idea originaria di Francis P. Robinson, che proponeva invece qualcosa di più semplice, nel senso di fattibile da tutti. Ivi compresi dunque studenti DSA. Robinson spingeva di più sull'uso della memoria, sul lavoro dar compiere alla memoria, e meno sull'uso della sola scrittura. Scrittura non è sinonimo di Sapere. Per un DSA il sapere è ancor meno scrittura o testo scritto. Sapere qualcosa, possedere un sapere, significa aver capito come funziona qualcosa, aver capito come sono andare le cose.

Nel 1946 il dottor Francis P. Robinson, psicologo dell'educazione, pubblicò un prezioso volume il cui frontespizio recita:

Effective Study
by Francis P. Robison
Professor of Psychology
Ohio State University
Columbus, Ohio
Harper & Brothers Publishers
New York and London

L'autore nel volume, dopo aver trascorso anni insegnando al personale militare come imparare dai libri di testo, propose un suo metodo che chiamo "Survey Q3R Method".

Ecco il PDF delle pagine in cui il metodo viene spiegato: scarica il PDF.

Il metodo per professor Robinson stimolava gli alunni a lavorare in maniera attività sul testo, a immaginare domande da porsi per poi cercarne più consciamente o meno una risposta nel testo, spronava gli studenti a osservare il testo prima di studiarlo leggendo attentamente i titoli dei paragrafi, le didascalie delle immagini, i brevi sommari introduttivi o finali, prima di affrontare il testo corrente. Spronava altresì gli allievi a ragionare e ipotizzare prima di leggere un paragrafo, e subito dopo averlo letto li spronava ancora a metter in moto la propria memoria per ripetere quanto appena appreso affinché si impresse meglio nella memoria stessa. Un lavoro molto attivo fatto non solo di scrittura e lettura, ma di visione, osservazione, domande, ricerca, costruzione di strutture mentali. Senza aggiungere lavoro in più per l'allievo.

La ripetizione di un capitolo di storia non può avvenire tutta alla fine della lettura del testo. Si può benissimo mettere in atto al termine di ogni paragrafo provando a ripercorrere i fatti trattati, provando a rispondere alle domande che ci si era posti in precedenza basate sul titolo e sul sottotitolo del paragrafo, sulla didascalia di una foto, sulle parole in grassetto presenti nel testo.

Per fare tutto ciò ovviamente i materiali di studio devono essere preparato bene. E con bene intendo dire che devono possedere le suddette caratteristiche. Affinché ciò sia possibile ovviamente, chi realizza i manuali deve conoscere il metodo SQ3R, il sistema degli indicatori testuali e degli organizzatori anticipati. Non è possibile che un autore di un manuale non dialoghi con il grafico che lo impagina. Non è possibile che un un bravo insegnante che sta preparando un materiale non si avvalga della collaborazione preziosa di un collega appassionato di grafica.

Dobbiamo lavorare insieme per proporre agli studenti materiali di studio adatti a tutti, corrispondenti ai principi dell'UDL, e che posseggano al loro interno tutte le caratteristiche utili all'applicazione della metodologia SQ3R.

La storia però non finisce qui.

PQ4R

Qualche anno più tardi, nel 1972, e dopo tanto duro lavoro sempre nel campo della psicologia dell'educazione, Robison scrive un altro libro, a quattro mani con Ellen Lamar Thomas: "Thomas, E. L., & Robinson, H. A. (1972). Improving reading in every class: A sourcebook for teachers. Boston, MA: Allyn & Bacon."

Il volume tratta dello studio di diverse discipline e contiene al suo interno una specie di inserto. Si tratta di alcune pagine denominate Schede per lo studente. Queste schede presentano l'applicazione pratica del nuovo metodo PQ4R, evoluzione di quello ideato da Robison a metà degli anni '40.

Ecco le pagine estrapolate dal volume:

https://media.milanote.com/p/files/1RypgV1SV7FP71/hyn/Schede%20studente%20EN%20con%20OCR.pdf

Costituirebbe un preziosissimo contributo la traduzione di queste pagine da parte di un volenteroso e volontario docente che inglese che si facesse carico di tradurle. Fino ad ora non sono riuscito a coinvolgere nessuno in questo approfondimento del metodo PQ4R.

Anche in questa seconda versione del metodo la memoria dello studente, la ripetizione a voce, la partecipazione attiva del soggetto sono fondamentali per l'applicazione del metodo. Non si tratta dunque di scrittura e lettura silenziosa, né di fare 4 volte di più del normale, per riuscire a studiare un testo.

Approfondimenti

PDF e articoli

• L’AUTONOMIA SCOLASTICA PER IL SUCCESSO FORMATIVO - Documento di lavoro, Dipartimento per il sistema educativo di istruzione e formazione, MIUR, 2018

• Universal Design for Learning in pratica, Strategie effi caci per l’apprendimento inclusivo, Erickson, 2021

• Atlas: il modello 3di per una didattica inclusiva ed efficace, 2019

• [COSA È L'UNIVERSAL DESIGN FOR LEARNING?

• Gianni Ferrarese](https://universal-design-for-learning.blogspot.com/2016/11/cosa-e-luniversal-design-for-learning.html)

• Universal Design for Learning - UDL Linee guida Versione 2.0

• PDF - DSA: come studiare con efficacia - Un articolo dedicato agli indicatori testuali e alle mappe non più disponibile on-line
  COSA SONO GLI ORGANIZZATORI ANTICIPATI - Gianni Ferrarese

• PENSARE PER IMMAGINI. PROGETTARE ORGANIZZATORI GRAFICI EFFICACI NEL WRW - Loretta De Martin

• PDF - Gli organizzatori anticipati:
  rappresentazioni visive delle idee chiave - Versione italiana dell'articolo di Brad W. Baxendell pubblicata su "Difficoltà di apprendimento", vol. 8, n.4, aprile 2003, Centro Studi Erickson

VIDEO

• Che cos'è l'UDL? La lezione di Luciana Ventriglia - Edizioni Atlas

• Universal Design for Learning: progettazione inclusiva e didattica efficace - FEM Modena

Come si fa ad applicare un motivo alla foto di un cuscino affinché sembri vero?

Farsi domande è un esercizio faticoso e necessario.

Perché le differenze non si trasformino in discriminazione è necessario educare controvento, mettere in atto una ribellione nonviolenta. Educare alla libertà è un artigianato difficile, che ha bisogno di ispirarsi a chi ha saputo incarnare una rivolta tenace e quotidiana, in grado di costruire strumenti culturali capaci di accrescere le possibilità di scelta di tutte e tutti. Ma per educare controvento è necessario moltiplicare le domande e seminare inquietudine. (Franco Lorenzoni, «Educare controvento», Sellerio, 2023)

Le parole di Lorenzoni mi tornano spesso alla mente. In questo periodo, come ho già spiegato in un altro articolo, mi sto documentando per progettare un laboratorio 20 ore sull'interazione del colore.

Per sperimentare e manipolari il colore, come insegnano Anni e Josef Albers, vorrei avvalermi di:

• forbici

• cartoncini colorati

• taglierino rotante (?)

• scampoli di stoffa di vario colore

• tablet

Ecco, ragionando sull'impiego di questi «ingredienti» e sulle attività da poter svolgere in laboratorio mi sono venuti in mente i pattern ovvero i motivi, o fantasie che dir si voglia. E la domanda mi è sorta spontanea: se i ragazzi realizzano un motivo con degli scampoli di stoffa o creano un pattern digitale, in che modo possono applicarlo tramite il fotomontaggio in Photoshop ad un abito, o un foulard, o una tenda, o un semplice tovagliolo?

La figura qui sotto riassume il concetto. A sinistra c'è la foto di un motivo di base fatto di pezzi di stoffa, al centro un grande pattern creato dal ripersi del motivo fotografato ed usato come modulo, a destra c'è una trapunta realizzata col pattern stesso.

Trasformiamo ora la domanda di prima in termini tecnici: come si realizza il mockup di un prodotto tessile con un pattern applicato? come si realizzano i textile mockup?

Textile mockup

Un tovagliolo

Per imparareTeoria e processo di realizzazione: How to make a handkerchief mockup| Photoshop Mockup Tutorial

Un abito

Una tenda

Risorse

Scopi e utilizzi dei mockup

Un giorno i nostri ragazzi si troveranno a fare i costumisti per il cinema e dovranno realizzare bozzetti in digitale dei loro abiti, o dovranno disegnare gli interni di una scena, o dovranno prepararsi a vestire personaggi in 3D. Potrebbero trovarsi a gestire il sito di una piccola impresa di tappezzeria, che vuole mostrare 10 collezioni di tessuti a mano per cuscini, divani e poltrone, e vuole farlo nel modo più economico possibile e preferibilmente senza tagliare e cucire centinaia di cuscini solo per far loro delle foto.
Magari dovranno mostrare ad un cliente come verrà una preziosa tenda di damascato broccato barocco, prima che venga realizzata, in vari colori per di più.

Ecco i tanti utilizzi delle tecniche di mockup.

Introduzione

Parliamo di pedagogia e didattica

Graziano Cecchinato assieme al romano Maurizio Maglioni, fondatore di Flipnet, e al trentino Sergio Vastarella, rappresenta certamente un punto di riferimento per quel che riguarda il Flipped Learning nel panorama italiano. Il maestro Vastarella pubblica da lungo tempo con Giunti fin dalla traduzione italiana di «Flip Your Classroom: Reach Every Student in Every Class Every Day» nel 2012. Anche il professor Cecchinato non è da meno. Anche lui già 2012 aveva iniziato a promuovere l’approccio Flipped. Lo fece nell’ambito del seminario residenziale «Il fascino indiscreto dell’innovazione» organizzato dall’ADI, tenutosi a Lecce poco prima che le scuole ricominciassero, attraverso un intervento intitolato «Flipped classroom. Innovare la scuola con le tecnologie del Web 2.0» . Gli atti del seminario sono fortunatamente ancora oggi disponibili on-line e il prof. Cecchinato ha reso disponibile anche il PDF di tutto il suo intervento, che qui di seguito riporto.

Cecchinato Flipped Classroom

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Parliamo di grafica e impaginazione

Nel 2016 per i tipi di UTET (D Scuola S.p.a.) è stato dato alle stampe un pregevole volume, di cui esiste anche un corso on-line parallelo, impaginato da Marco Fiorello e Matteo Rossi. Si tratta di un libro che presenta pagine affiancate con una griglia simmetria speculare, con margini molto ampi per gli appunti a matita e grandi spazi negativi per far riposare l’occhio. Ne risulta uno stile classico, perfetto per lo studio e la riflessione.

Credo che una delle tipologie di lavoro da poter svolgere in aula, in una Flipped Classroom di un C.F.P., sia proprio quella di ricreare, imitandolo, l’impaginato di un grande grafico, A volte sarà l’inarrivabile Massimo Vignelli, e altre volte potrà benissimo essere un grafico meno conosciuto che lavora presso un grande editore italiano, come nel nostro caso. Ovviamente per far sì che unatale attività sia realmente un compito autentico bisognerà seguire tutte le indicazioni che il prof. Maglioni fornisce in «Il compito autentico nella classe capovolta».

In questa sede quel che mi interessa non è condividere il progetto di un compito autentico, bensì il più semplice lavoro di ri-creazione dell’impaginato.

Il modello InDesign

Ecco qui di seguito il link per il download del materiale:

• Modello di impaginazione calcato su Flipped Classroom di Graziano Cecchinato.

Introduzione

Parliamo di pedagogia e didattica

Quest’articolo ha un doppio scopo:

1. in primo luogo mostrare il lavoro tecnico dell’impaginazione di un libro mettendo a disposizione di tutti i file originali in formato InDesign.

2. in secondo luogo raccontare tramite poche immagini il lungo lavoro di docenza e ricerca sperimentale nell’ambito del un progetto denominato «Percorso A», ideato presso l’Istituto Artigianelli di Trento dallo psicologo Giovanni Molin Pradel nel 2017, allo scopo di ri-orientare al mondo del lavoro i ragazzi a rischio dispersione scolastica.

Il volume qui preso in esame raccoglie anche la preziosa testimonianza del maestro Mario Tagliani, autore di «Il maestro dentro. Trent’anni tra i banchi di un carcere minorile».

Con grande affetto e stima in questo penultimo giorno dell’anno 2023, ripenso agli alunni di questo corso, a tutti i giovani che mi hanno cambiato la vita e mi hanno fatto crescere assieme a loro. A loro va il mio ringraziamento più grande.

Parliamo di grafica

L’impaginazione di questo volume e tutti i relativi stili di testo e di oggetto, impostati in InDesign, si ispirano al lavoro del grafico e illustratore tedesco Alexander von Lengerke. Nello specifico il presente impaginato ricalca, pedissequamente, una pubblicazione in particolare. Si tratta del volume cartaceo “DOCAT”, del quale il nostro ha illustrato gli interni e curato l’impaginazione. Un magistrale esempio di tecniche tipografiche, tutto da imitare. Praticamente senza difetti.

D’altronde, come spiega lo scrittore americano Austin Kleon in «Ruba come un artista»:

NULLA È
ORIGINALE.

Lo scrittore Jonathan Lethem ha detto che, quando si sostiene che qualcosa è «originale», nove volte su dieci è perché non si conoscono i dettagli delle fonti.

Gli artisti in gamba si rendono conto che non esiste qualcosa che arrivi dal nulla: tutte le opere creative is fondano su ciò che è venuto prima, senza che niente possa essere completamente originale.

Proprio come dice al Bibbia: «Non c’è niente di nuovo sotto il sole» (Ecclesiaste, 1:9).

La cosa più corretta per un design, come suggerisce Kleon, è quella di palesare le proprie fonti. Grazie signor von Lengerke.

Materiali da scaricare

Da i link qui sotto riportati si possono scaricare le cartelle compresse relative all’impaginazione eseguita in InDesign del volume di tesi e all’impaginazione realizzata in Illustrator delle carte del metodo C-School.

• Impaginazione tesi in InDesign

• Impaginazione carte del metodo C-School in Illustrator

• PDF esecutivo dell’impaginato di tesi

Over time you have listened to the voices and suggestions of many users. Today I also want to "bring a sack of flour to your mill", telling you about your predecessor OmniWeb, proposing something new and giving you an extract from a mail from Ken Case, father of OmniWeb.

I've been waiting for a browser like Arc for many years. I grew up with Netscape Navigator, I was forced to use Internet Explorer, I loved Opera and Firefox, used Chrome for a long time, I worked well with Vivaldi, I found great satisfaction in using OmniWeb. It is precisely about the latter that I want to tell you something. In fact, from the point of view of the organisation of web pages, tabs and work spaces, Arc has finally taken up the baton of OmniWeb, grafting onto the trend of browsers and software that "think and act by objects", designed on the NextStep platform

Arc is an ambitious project and still has room for improvement. There are a couple of interesting implementations that would be nice to see in Arc, useful for:

• to be able to study and work on a specific topic;

• to suspend work and resume it at a later time;

• to venture into web exploration by moving away from the starting point after having captured a snapshot and then being able to return to it with a click;

• to also be able to archive entire browsing sessions or workspaces including web pages, tabs and complete history of each tab.

• as a .JSON file with .arcspace extension. This would be a file that would simply allow the session to be stored elsewhere;

• as an .OPML file which would allow you to read in the form of an outliner and see in the form of a mind map the entire navigation history of all the child tabs of a folder of a workspace of an ArcBrowser window.

What else could you do through the saving and snapshot function of browsing sessions and workspaces?

• You could have a list, very similar to a browsing history, which allows you to see the list of all browsing sessions/workspaces saved over time, relating to searches, insights, readings, analyses, etc.

• You may be able to recover old versions of a specific saved workspace/session. A kind of version history.

• You could rearrange pages and move them from one workspace to another

In this way we could trace the way in which a specific discovery was made, the way in which we learned something new, we could read and see the path taken to reach a specific content.

It's still. In the OmniWeb manual we read:

What can I do in the Workspaces pane?
• Drag windows between workspaces.
• Modify the auto-save while browsing setting for each workspace.
• Rename a workspace by Option-clicking the name of the workspace or by
carefully clicking the name of an already selected workspace.
• Single-click a workspace icon to see the windows in that workspace.
• Double-click an item in the workspaces list to activate the workspace.

Mr. Ken Case talks about the history of Omniweb's Workspaces in one of his letters from 2012.

About a decade ago [That is, in 2022; Editor's Note], we started working on OmniWeb 5. One of our biggest customer requests was for "tabbed browsing", a feature that several other browsers had recently introduced. But rather than simply copy what other browsers were doing, I wanted to think about the underlying need and figure out how best to solve it.

The underlying problem (in OmniWeb 4) was that every open web page was being displayed in its own window, and people had so many web pages open that it was difficult to keep track of them all. But closing a web page felt so permanent--like you were closing off that channel of forever browsing--so people were hesitant to do that as well.
What I thought would help the situation would be to add a queue of pages that you wanted to read in the current window (which became our drawer of web page thumbnails), and some persistent way to keep sets of windows open and switch between them as you switched activities. So we came up with the idea of letting people create persistent workspaces which they could use for each of their online activities, switching between those workspaces like they might switch between apps--with one for banking, one for reading the news, one for browsing reference materials, etc.

What Mr. Case has said so far has already been implemented in Arc. Other innovations, which are described below, could instead be implemented in Arc, expanding and improving the functionality of the Workspaces. Mr. Case continues his letter by telling something very interesting and important.

Thinking about it some more, we realized that some of those activities had a starting state that people might want to get back to (like looking at the home page of Apple's developer reference site, or having a few newspaper or blog sites open as starting points for browsing recent news), so we came up with the ideal of taking a snapshot of a workspace that you could roll back to at any time.

We shipped workspaces (along with many other innovative browser features) in OmniWeb 5.0 on July 30, 2004.
Over the last decade of using workspaces, they've served me quite well: but I've learned something about using them that I never anticipated when we were building them. It turns out that I frequently create a new empty workspace whenever OmniWeb starts feeling too cluttered, knowing that I can easily get back to the state I was in before. I've created several thousand of these historical workspaces over time, and I look back through them a lot more than I look through the standard browser history list. Which gives me some ideas for how we could perhaps improve both workspaces and browser history in some future version of OmniWeb...

These are observations and technical notes relating to functions that are still missing in 2023 from today's browsers that pride themselves on being innovative. You at The Browser Company have made giant strides in just a few months and I am convinced that you can reach further important milestones and make browser history.

#tecnologia #browser #web #informatica